El recorrido por el Museo Gustavo de Maeztu finaliza en esta pequeña sala, ubicada en la torre del Museo, en ella encontramos algunas de las planchas de zinc trabajadas por Maeztu. Piezas únicas, en las que se puede apreciar la maestría de Maeztu en el dibujo, la concreción, la precisión de este artista mágico que quiso que el arte formase parte de nuestras vidas, el arte como algo esencial para el hombre, la forma y el color acompañándonos en nuestra existencia.

En la década de los años treinta, Maeztu se introduce en el conocimiento y la realización de obras marcadas por la intencionalidad de llegar a un máximo de personas, esto es, popularizar su trabajo. Para ello, recurre a una técnica de gran tradición en España, el grabado. Siguiendo la estela de sus maestros, Goya, Zuloaga, Solana o Ricardo Baroja, Maeztu realiza una colección de estampas diversas, presidida por su amor a la figura y al paisaje español, y las materializa a través de lo que él llamará “Autolitografías”.

La técnica que usa Maeztu es la de la Litografía, realizando él mismo todo el proceso de materialización, esto es, desde el dibujo preparatorio, hasta la plancha de zinc y su posterior estampación, incluyendo en algunas de las obras, aplicaciones de color realizadas de manera manual. En esta sala se presentan algunas de estas obras, pruebas de autor que pertenecían a su colección personal.

Maeztu es un artista voluptuoso, ama las grandes formas y la opulencia en el color. Toda su obra esta presidida por este sentimiento grandilocuente, narrativo, cargado de contenido y exhuberancia. No es de extrañar que su inclinación a las formas opulentas le lleve a interesarse por proyectos murales. En esta sala podemos contemplar bocetos de algunas de sus decoraciones murales, destacando los bocetos realizados entre 1935-1936 para el Palacio de la Diputación de Navarra. Un amplio recorrido por la identidad de Navarra a través de sus paisajes para ornamentar el Salón de Sesiones. En todos estos bocetos, Maeztu se recrea en dar rienda suelta a su vocación historicista, recreándose en dar forma a un conglomerado de personajes, referencias históricas, monumentos y tipos que aluden a un pasado glorioso, en algunos casos más relacionado con su propia fantasía que con la realidad histórica.

Maeztu es sin duda un gran dibujante. El dibujo en su producción ocupa un lugar preeminente, tanto el dibujo como estudio preparatorio para obras posteriores realizadas en otras técnicas, como el dibujo concebido como obra acabada.

Realizados al carbón, con tinta, gouachs, o técnica mixta, el manejo que Maeztu hace de la línea es siempre preciso, contundente, el trazo es fuerte y directo, los contornos marcados dan forma a las imágenes, siempre imperiosas, las sombras acompañan y matizan, modulan y condensan. Un abanico amplio de imágenes se desglosan en la vasta producción dibujística de Maeztu, paisajes, figuras, ensoñaciones, retratos, decorados, incluso ilustraciones. Heredero de Zuloaga y su preocupación Regeneracionista, conocedor de Solana, la visión del paisaje y de los personajes que lo habitan es en Maeztu siempre optimista y sosegada. No encontraremos restos de amargura en sus dibujos, lejos de ello, hallaremos un corpus de imágenes serenas y voluptuosas.

Esta Sala que inicia el recorrido por la Segunda Planta nos ofrece a modo de mosaico de rostros, la contextualización de la figura de Gustavo de Maeztu. Heredero de los planteamientos de la Generación del 98 con la que le vinculan lazos intelectuales, afectivos y personales, Gustavo de Maeztu pertenece a la Generación del 1914.

En esta sala se condensa la diversidad de la obra de Maeztu. Tres secuencias, tres etapas, tres propósitos estéticos que condensan una vida de producción pictórica.

Desde la visión heroica de los “Novios de Vozmediano”, el simbolismo de Maeztu incide en esa relación profunda con lo local, el problema nacional la España rural y profunda, el peso de la historia, la soledad y la poesía de ese pueblo orgulloso y rotundo, ancestral y quimérico. Bajo la evocación compositiva de Miguel Ángel, Maeztu da forma a las dos parejas, su monumentalidad, el carácter escultórico que predomina, no evita que el lirismo tamice el conjunto, ya que el color siempre brillante, fogoso y vital, confiere a las obras ese deseo del artista de hacer una creación que sea un resorte de superación moral.

La época londinense de Gustavo de Maeztu será un paréntesis tanto vital como estético. Desde la plenitud de su estilo, Maeztu despliega una actividad pictórica marcada por el cosmopolitismo. Su paleta se intensifica, sus motivos se diversifican, sus formas se suavizan, todo un esfuerzo afortunado por encontrar un lenguaje más internacional con el cual dar salida a sus inquietudes renovadoras.

Desde la paleta ampulosa, Maeztu retorna al costumbrismo en obras como “En la Dehesa” o “La copla Andaluza”, todo un ejercicio de pintura e idealismo, retomando el lenguaje localista de su primera época.

La galería de imágenes que perfilan la producción retratística de Maeztu es muy amplia. En esta sala podemos contemplar uno de los retratos familiares más significativos, el de su hermana María de Maeztu. Estamos ante la plasmación de una imagen familiar. La iconografía de María aúna la proximidad del conocimiento psicológico de la hermana y la imagen de la pedagoga y articulista, mujer avanzada en la España de su tiempo, feminista y defensora de la educación libre e igualitaria.

Formalmente la obra sigue las pautas estéticas propias de Maeztu, rotundidad, monumentalidad, importancia de la línea, exaltación de las formas y del color. Estamos ante un retrato afortunado, que nos aproxima a esta mujer, de carácter fuerte, decidido, soberbia en su indumentaria y en su gesto. Frente a esta obra se ubica el retrato del hermano mayor “Ramiro de Maeztu”, escritor, pensador y miembro destacado de la Generación del 98, su figura potente emerge como adalid de la Hispanidad. Hombre comprometido, su fatal final marca la historia de toda la familia.

La NATURALEZA será una forma de expresión a la que Maeztu se acerca con asiduidad a lo largo de su vida. Los Bodegones pacientemente elaborados, constituyen un elemento de comunicación que encaja perfectamente en su formulación, siempre interesada en el mensaje, la metáfora de un contenido sugerido o evidente, en todo caso con un intencionado carácter popular.

Objetos, animales y alegorías, son utilizados por el artista desde la percepción de lo cotidiano.

Algo semejante le ocurrirá cuando se centra en el PAISAJE. Las escenas de este artista perpetúan visiones del paisaje reales, vividas; no en vano, Maeztu como buen continuador del REGENERACIONISMO, viajará por toda la península, plasmando los rincones, las vistas y las huellas dejadas por el paso de la historia.

La historia tiene mucho que ver con la pintura heroica y crítica que Maeztu realiza hasta 1920. La preocupación por la España del momento, su retraso, y la pérdida de su estatus, el anacronismo y las deficiencias, estimulan en nuestro pintor su visión más crítica contra el sistema que impide la recuperación del país. Con el fondo noble de unas ruinas arquitectónicas asentadas en un paisaje cargado de silencio, las figuras de Maeztu siempre potentes, se alzan para con su fuerza espiritual y física, regenerar y dar aliento y futuro a la Tierra Ibérica Maeztuniana.

El Museo Gustavo de Maeztu es un Museo de Autor, observamos en esta sala la imagen del artista, a través de tres autorretratos, tres miradas introspectivas que en distintas etapas de su vida Maeztu hace de sí mismo.

Son tres miradas esenciales, el artista se pone frente al espectador, y se presenta directamente, desde la juventud a la madurez, el Maeztu más angular se nos ofrece sin artificio, cargado de naturalidad, mirando fijamente al espectador para trasmitirle el porqué de su dimensión de artista y de persona.

Encontramos al Maeztu ilusionado de juventud y al hombre sobrio de la madurez, pero sobre todo, nos encontramos frente a frente con el Maeztu dandy, con sombrero y pajarita, ese caballero inglés, distinguido y seguro de sí mismo que con esta imagen nos quiere subrayar la complejidad de su carácter y la satisfacción del pintor que es.

La mujer como epicentro de la obra de GUSTAVO DE MAEZTU, protagoniza el contenido de la Primera Sala del Museo. De formas rotundas y monumentales, las mujeres de Maeztu son opulentas porque su alta carga de simbolismo determina su mensaje.

La mujer, siempre en primer plano, se muestra en ocasiones desafiante, como en el caso de “Eva”, mujer fuerte y rotunda, sabedora de su poder y dueña de su sexualidad. Mujeres que emergen como esculturas y se imponen en el cuadro, perfiladas con nitidez, moldeadas, con rasgos indeterminados, son paradigma de la fecundidad y la fuerza espiritual, pero también en ocasiones, son mujeres de ensueño, musas de la noche o de la belleza.

Si sus formas son ampulosas, también lo es el color, siempre trabajado con pincelada ancha, aplicado con múltiples veladuras, Maeztu emplea colores cálidos, rojos, azules, violetas o amarillos.