A propósito de la exposición: “Paisaje(S): Punto de encuentro.

A partir del sábado 26 de abril, y hasta el 21 de junio de 2014, el Museo Gustavo de Maeztu de Estella-Lizarra presentará la exposición “Paisaje(s): Punto de encuentro”.

Esta muestra que de manera sintética nos acerca a una selección de obras que pretenden ser botón de muestra de diversas maneras de entender el paisaje desde la figuración, a través de las obras de siete artistas reconocidos en el ámbito artístico español: Antoni Cortada (Barcelona, 1945), Antonio G. Antogonza (Villamayor, Salamanca, 1934),

Manolo Fuertes (Córdoba, 1932), Félix Pantoja (Toledo, 1952), Antoni Pedrola (Vistabella, Tarragona, 1928), Rosa Susaeta (Bilbao, 1950) y Luis Taboada (Avilés, Asturias, 1957), nos adentra en el magnífico mundo personal de imágenes propias de estos interesantes artistas que buscan en el paisaje su fuente de inspiración y trabajo.

La muestra en total recopila 14 piezas de diversos formatos, que presentan una significativa visión de la realidad pictórica de este atractivo y variado grupo de artistas, sin duda, una visión del buen hacer pictórico que utiliza el paisaje como fuente y medida de inspiración y realización artística en alguno de los más representativos creadores que actualmente trabajan en este ámbito de la pintura. Desde el paisaje urbano, pasando por el paisaje rural, desde el ascetismo castellano a la luminosidad del sur, desde la visión onírica a la despojada imagen introspectiva, todos ellos abordan un tema tan recurrente en la pintura que por otro lado tiene tantas visiones como posibles artistas las trasmiten. Es por esto que esta exposición únicamente pretende ser un punto
de encuentro de seis artistas plurales y diversos unidos por el nexo de la proximidad y el diálogo con el paisaje.

LA EXPOSICIÓN

La muestra recopila 14 piezas de distintas formatos, siempre con la premisa de trabajar la pintura o el lenguaje pictórico desde la máxima integridad, buscando a través de diversas técnicas y lenguajes una representación personal de la plasmación del paisaje.

La exposición pretende hacer un selecto repaso por la obra de estos seis pintores procedentes de diversas comunidades, desde estas miradas marcadas por la diversidad, estos artistas se acercan al paisaje para trasladarnos sus impresiones visuales y

emocionales, quedando claro en todos ellos que el imperativo de la figuración es una herramienta más de trabajo en su diálogo con la naturaleza. Un universo formal y estético en el que prima el soporte y la técnica pictórica, la maestría de la ejecución estudiada y plenamente lograda, y el ímpetu creador que en la plenitud de sus trayectorias, es una característica de cada uno de ellos.

La exposición es el resultado de un proyecto de colaboración realizado entre el MUSEO GUSTAVO DE MAEZTU, y la revista de arte REVISTART. Se trata de una producción propia del Museo que acerca a Navarra el trabajo de estos significativos artistas, una exposición selecta y medida, recreada en varios espacios que plantean diversas estancias de comunicación, pasos de contemplación y reflexión sobre algo especial, LA PINTURA.

El Museo Gustavo de Maeztu centra el núcleo de su programación en lo que denominamos el Programa EN DEFENSA DE LA PINTURA, que nos permite acercarnos DESDE LA ESENCIA DE ESTE MUSEO MONOGRÁFICO, a lo mejor de la pintura tanto local, como nacional e internacional, mediante propuestas de la máxima calidad.

RECORRIDO EXPOSITIVO

La muestra sigue un recorrido estético, y está ubicada en las Salas de Exposiciones Temporales del Museo Gustavo de Maeztu, Palacio de los Reyes de Navarra.

PUBLICACIÓN

La exposición va acompañada de la edición de un CATÁLOGO, realizado para la ocasión, que reproduce las 14 piezas que dan forma a la muestra. Cuenta con un texto introductorio de Jordi Garrido.

HORARIOS Y FECHAS

La exposición “Paisaje(s): Punto de encuentro”, podrá visitarse del 26 DE ABRIL AL 21 DE JUNIO DE 2014. El horario de visita es días laborables, de 9 A 13 HORAS. Sábados, Domingos y Festivos de 11 a 14 horas. Lunes cerrado. La entrada es GRATUITA.

AUGUST PUIG (1929-1999).

“AUGUST PUIG (1929-1999), LA FUERZA DEL COLOR”.

. Podrá visitarse del 28 de Febrero- Abril de 2014.

A partir del VIERNES 28 de Febrero, y hasta el Abril, el Museo Gustavo de Maeztu de Estella-Lizarra presentará la exposición “AUGUST PUIG (1929-1999), LA FUERZA DEL COLOR”.

Esta muestra que procede en su totalidad de colecciones particulares ha sido realizada por el MUSEO GUSTAVO DE MAEZTU en colaboración con la revista de arte REVISTART. La muestra es una colaboración inscrita en el ámbito de la recuperación de figuras señeras de la pintura española del siglo XX.

La muestra en total recopila 16 piezas de diversos formatos, que presentan una significativa visión de la evolución y de la realidad del trabajo sutil y delicado de este magnífico artista.

LA EXPOSICIÓN

La muestra recopila 16 piezas de distintas técnicas y formatos, es el resultado de la selección realizada por los organizadores una selección fina y equilibrada que nos permite a través del recorrido sugerido, comprender y disfrutar del trabajo de este pintor cuya abstracción nos sumerge en la contemplación de la sutil eficacia de la gestualidad unida a la sensible ilusión del color en su máxima expresión.

Nos acercamos de esta manera a un artista, August Puig multidisciplinar que se movió en un universo abstracto en el que el arte, en todas sus materializaciones, siguió siempre la más fabulosa abstracción expresionista. Su obra recuerda a los artistas de la emoción, del ímpetu expresivo y de la maestría colorista.

Pero en el caso de AUGUST PUIG ( Barcelona, 1919-Monells, Girona, 1999) serà sin duda uno de los artistes catalanes más importantes de su siglo. Su obra resulta extremadament difícil de emmarcar dento de una determinada tendència. En un primer momento presenta claras influencias del fauvismo y de Picasso , influjos que sin embargo, más tarde serán sustituidos por el conocimiento y la impresión de la obra de Paul Klee , Kandinsky y Miró .

En 1948 se traslada a París , lo que provoca su alejamiento de lo que será la esfera de influencia del grupo Dau al Set , aunque, sorprendentemente, su obra presenta claras afinidades con los artistas de este grupo.

Aunque la pintura de August Puig concita el interès por la plasmación del movimiento, lo cierto es que su Trabajo es mucho más sugerente dado que nos adentra en un sutil modelo de surrealismo sin concreciones, cargado de modulaciones cromáticas y formales, un alarde de gestualidad no exento de preparación que le hacen sin duda ser un pintor único y singular, dueño de una capacidad inusual de dominio cromático que posibilita que sus obras sean ante todo, piezas en las que el color, su latente y potente potencialidad impacten por su capacidad de conectar con las emociones de quienes lo contemplan.

PROYECTO GLOBAL. LOS NOVIOS DE VOZMEDIANO.

El Museo Gustavo de Maeztu inicia un nuevo proyecto para mejorar la calidad de sus colecciones y el conocimiento de las obras que alberga el Museo. Se trata del Proyecto Global un esfuerzo de sistematizar, relacionar y contextualizar de manera individualizada y profunda cada una de las obras de la colección del Museo.

Queremos compartir algunas apreciaciones sobre una de las obras más importantes de nuestra colección: Los Novios de Vozmediano.

En este cuadro observamos una clara referencia a la manera de crear de Gustavo de Maeztu en el que destacando en su figuras la serenidad, quietud, estatismo, sobriedad en el gesto, contención en el sentimiento. Las figuras de un hombre y una mujer se sitúan en un paisaje compuesto de manera escenográfica, con cierta teatralidad con la que pretende resaltar el valor simbólico del hombre y mujer situados en primer plano. Evidentemente esa ubicación tan cercana al espectador sirve como elemento compositivo, es decir, de introducción a ese paisaje sereno, estático donde el paisaje siempre se asume como un telón de fondo en el que transcurre una escena llena de planteamientos literarios. Con una clara concepción muralista tras el hombre y la mujer contemplamos un río junto a una torada que en Maeztu es idea de bravura, detrás las ruinas de un castillo imagen de un pasado glorioso pero, también con una clara evocación romántica ya que la ruina casi está mimetizada con el mismo paisaje resaltando una idea panteísta de la naturaleza. Tras la presencia del castillo un paisaje de tonalidades vaporosas completan el escenario. Hay un sentimiento invariable de sosiego presidiendo los hondos paisajes de la Extremadura de Castilla en las faldas del mítico Moncayo, cargados de lírica desesperanza.
Hombres de serenidad reposada, estática, frente a la ligera sonrisa de las mujeres.

.

Esta obra actualmente se ubica en la Sala Cuarta del Museo junto con su complemento la segunda variación del mismo tema.

Es una obra de plenitud en la producción maeztuniana, una pieza épica y lírica, dulce y rotunda, en la que Maeztu hace un guiño de complicidad al gran maestro Miguel Ángel, adentrándose en el juego rítmico y monumental en las formas sin olvidad que el color es una de las claves de su trabajo.

Maeztu estudia a los grandes, se adentra en el conocimiento del dibujo y logra alcanzar una cota de perfección formal difícil de igualar, lo que le convierte en uno de los mejores dibujantes de la pintura española del Siglo XX.

Gustavo de Maeztu expondrá esta magnífica obra a partir de 1915, con ella viajará a Londres y París y será tal la importancia que le concede que la guardará hasta su último suspiro en su taller de Estella.

José Francés.
1916. El Año Artístico.
Carp. 11. Doc. 35.

Exposición en LA TRIBUNA” 14 Lienzos y cuatro dibujos.
“Ha sido muchas cosas: torero, comediante, escritor de folletines, comisionista, poeta, inventor de artilugios maravillosos y poeta de líricas languideces. Pero siempre, siempre, por encima de todo, pintor. En el fondo, este desbordamiento de su vida no era más que la necesidad instintiva de ofrecerse espectáculos para futuros cuadros, estos cuadros que ya va creando para mayor gloria de la pintura española contemporánea.
Y no creáis que han sido precisos muchos años para tanta exuberancia vital y tanta exaltación artística. El autor de Las Samaritanas, El ciego de Calatañazor y Los Novios de Vozmediano…”.

JOSEP SERRASANTA (1916-1998).

JOSEP SERRASANTA (Buenos Aires, 1916-Barcelona, 1998) emotivo artista que se movió en un universo pictórico en el que el arte, en todas sus materializaciones, siguió siempre el camino de la pintura profundamente ligada al paisaje y la naturaleza.
Pero en el caso de JOSEP SERRASANTA (Buenos Aires, 1916- Barcelona, 1998), estamos ante un pintor al que el color le sirve para articular un compendio de motivos cuya esencia viene dada por la brillantez del color, la vibración de los tonos y su aplicación siempre cargada de tornasoles que no dejan indiferentes.

https://fbcdn-sphotos-g-a.akamaihd.net/hphotos-ak-prn1/t1/60103_699184566760295_855771823_n.jpg

Josep Serrasanta nació en Buenos Aires (Argentina) en 1916 – 1998 Valdoreix ( Barcelona ), de padres catalanes . Su padre era de Guissona y su madre de Vilamitjana. Cursó estudios de Bellas Artes, posteriormente fue discípulo del gran pintor Francesc Gimeno. Su amplia trayectoria se manifiesta en una larga producción pictórica especialmente óleos realizados en formatos medios pero también importantes proyectos decorativos como son Las Tres Cúpulas de la Catedral y la Igleia de Sant Pere, ambas de Lleida, La Iglesia de Santa María de Castelldefels (Barcelona) y otras en Terrassa y Sabadell (Barcelona) pintadas en el templo, al fresco y al óleo. Su pintura obtendrá importantes reconocimientos como el Gran Premio

Internacional de Cannes (1964), así como la gran significación que el Gobierno Francés le otorgó al concederle la “Gran Croix du Commandeur au Mérite National Française”.

https://scontent-a.xx.fbcdn.net/hphotos-ash3/t1/1385544_699184590093626_760683968_n.jpg

El Museo Gustavo de Maeztu expone una selección de 16 piezas de colecciones privadas que permiten una visión clara y contundente de este artista.

https://scontent-a.xx.fbcdn.net/hphotos-ash3/t1/555786_699184626760289_1769273981_n.jpg

Todo un recorrido por el universo cromático de este pintor de los brillos y las vibraciones, del Mediterráneo y la luz.

https://fbcdn-sphotos-d-a.akamaihd.net/hphotos-ak-ash3/t1/999994_699184680093617_1288462024_n.jpg

Una personalidad intensa y enigmática cargada de recursos estéticos que propicia la realización de esta muestra colorista y sincera.

https://scontent-b.xx.fbcdn.net/hphotos-prn2/t1/1395139_699184966760255_1093295880_n.jpg

Se puede contemplar en el Museo Gustavo de Maeztu hasta el próximo día 16 de febrero de 2014.

https://fbcdn-sphotos-d-a.akamaihd.net/hphotos-ak-frc1/t1/1002870_699185310093554_1217547597_n.jpg

https://scontent-b.xx.fbcdn.net/hphotos-prn2/t1/1377067_699185473426871_1322065268_n.jpg

WILL FABER, EMOCIÓN Y ABSTRACCIÓN.

La muestra es una ocasión especial de poder contemplar en Navarra por primera vez a través de la obra pictórica de WILL FABER ZIETZ, el recorrido artístico y vital de este creador Alemán tan desconocido en nuestra Comunidad Foral. La búsqueda por expresar la realidad del entorno social, político y cotidiano ha sido una constante en la historia del arte universal. Por ello, WILL FABER ZIETZ (Saarbrucken, Alemania, 1901- Barcelona, 1987), se inscribe en ese grupo de artistas que, con un lenguaje singular y propio, con una trayectoria fiel así mismo, es decir sin concesiones a lo banal ni a lo superficial, supo plasmar con maestría y lirismo, la visión de sí mismo en el mundo que le tocó vivir.

El mundo por el que se movió es sin duda, el que marca la historia del arte contemporáneo. En 1926 se traslada a Berlín y en 1932 en plena efervescencia de los fascismos y dada la atmósfera asfixiante en que se encontraba su país, él y su mujer abandonaron Alemania y se instalaron en Barcelona.


En Barcelona Faber trabajó en los primeros años como diseñador gráfico e ilustrador con una gran influencia tanto del racionalismo espacial de la Bauhaus como del orientalismo integrador promovido por Kandinsky. De aquella época hay que destacar el cartel anunciador del licor anís el Mono, que no se llegó a editar; las portadas de la revista D’Ací i d’allà, (dos números del 1932 y tres números del 1933), el diseño de las portadas del número veinte de la revista A.C., editada por el Grupo de Artistas y Técnicos Catalanes pera el Progreso de la Arquitectura Contemporánea y reproducidas en la revista alemana Gebrauchsgraphik en 1937; los diseños para papel y cajas para empaquetar bombones de la casa Esteve Riera, la ilustración de El libro de te de Okakura-Kakuzo, editado por la Librería Catalònia de Barcelona.

El verano del 1934 Will Faber escogió Ibiza para pasar las vacaciones, y la fascinación que sintió por sus parajes hizo que permaneciera hasta 1936. Con la llegada de la Guerra Civil, Faber se marchó a Alemania, donde permaneció hasta su retorno en 1939.
Los años cuarenta y cincuenta representan una profunda renovación en la pintura de Will Faber, con una notable influencia de los elementos abstractos de Paul Klee y una progresiva evolución hacia la geometrización de las formas.

A partir de final de 1957 y hasta 1964, la trayectoria pictórica de Faber muestra una ruptura clara con las soluciones precedentes, que lo llevó hacia el terreno del informalismo matérico, con la incorporación de técnicas innovadoras, calidades matéricas y un sentido máximo de libertad en la composición. La gran variedad de soluciones utilizadas por el artista demuestran su magistral dominio técnico, que adoptó cualidades personalizadas en el uso del collage, frottage, grattage, dripping y assemblage, presentes en unas obras que sólo pretendían evocar estados de ánimo y sensaciones sin ninguna referencia concreta. Con el tiempo su participación en exposiciones nacionales e internacionales se hizo cada vez más frecuente.
La exposición antológica que Will Faber preparó al Instituto Alemán de Cultura de Barcelona en 1964 marcó una línea diferente en su trayectoria, situando su obra dentro de un nuevo lenguaje determinado por la incorporación en su mundo abstracto de toda una serie de signos, puntos, líneas, números, letras del alfabeto y palabras. Su estilo se vio enriquecido, sobre todo en los años setenta, por la acentuación de los contrastes dentro de la misma gama cromática.
Sus últimas creaciones, que hay que situar entre 1975 y 1987, fecha de su muerte, se mantendrán en el ámbito de la abstracción, muchas veces en forma de obras sin título que presentan diferentes materiales adheridos, como cartones de embalaje pintados y recortados, o simplemente la pintura aparecerá sobre objetos variados como piedras, cajas o abanicos.
El reconocimiento a su tarea como artista llegó en forma de múltiples premios, homenajes y exposiciones antológicas. La obra de Will Faber se puede encontrar en diferentes colecciones como las del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, el Museo de Arte Moderno de Barcelona, el Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza, el Museo de Arte de Berna, el Museo de Arte de Saint-Étienne y el Museo Internacional Salvador Allende, entre otros.

Estamos ante una ocasión única, es la primera vez que puede contemplarse este trabajo singular, la primera vez que este canto de autenticidad, buena pintura y sinceridad creativa se exhibe en Navarra, y lo hacemos desde el MUSEO GUSTAVO DE MAEZTU en lo que es un compromiso con el arte auténtico, el arte de los grandes para todos los públicos. Estamos ante una muestra comprometida, veraz, delicada y valiente, cargada de sensibilidad y maestría formal.

DÍA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS. SÁBADO 18 DE MAYO DE 2013.

DIA INTERNACIONAL DEL MUSEO
Y
NOCHE EUROPEA DE LOS MUSEOS 2013
Sábado 18 de mayo
PROGRAMACIÓN:
MUSEO DE NAVARRA
C/ Santo Domingo, 47. Pamplona. T 848 42 64 92 y 848 42 64 98
Entrada gratuita. Viernes 17, 9:30 a 14 h y 17 a 19 h. Sábado 18, en horario especial de
9:30 a 14 h y de 17 a 24 h. Domingo 19, 11 a 14 h.
Micro exposición temporal en torno a la obra Madre de todos los Hombres de Juan
José Aquerreta. En colaboración con el Museo Gustavo de Maeztu. Abierta al público
desde el jueves 16 de mayo hasta el 13 de octubre.
Visitas guiadas a la exposición temporal Pello Azketa, la memoria de la mirada.
Sábado 18, 22:15 h. y domingo 19, 12:30 h.
Proyección de la película El cielo gira. Sábado 18, 17:00 h.
Sesiones de narración Los mayores nos cuentan. Público familiar. A cargo de los
Voluntarios Culturales del Museo de Navarra. Sábado 18. Programa:
- Leyenda de las reliquias de San Saturnino pintada en Artajona. Castellano. Por
Consuelo La Presa. Sala 2.2. 17:00 horas.
- Historia de la princesa Adba y la arqueta de Leire. Euskera. Por María Luisa
Salaberría. Sala 1.8. 18:00 horas
- Relato de las batallas del Palacio de Óriz. Castellano. Por Aurelio Pagola. Sala 2.14.
18:00 horas
Concierto. Canto, obras de R. Strauss, G. Puccini, G. Fauré y otros. Intérpretes Andrea
JIménez y Jaione Medina (sopranos), Miguel Ángel Aguirre (piano) y Carmen Arbizu
(dirección), del Conservatorio Superior de Música de Navarra. Sábado 18, 21 h. Capilla
del museo.
Distribución gratuita de ediciones antiguas de libros procedentes de la tienda del
museo. Sábado 18 de mayo hasta agotar existencias.
MUSEO DEL CARLISMO
C/ La Rúa, 27-29. Estella. T 948 55 21 11
Entrada gratuita. Viernes 17, 10 a 14 y 16 a 19 h. Sábado 18, en horario especial de 10 a
14 h y de 16 a 24 h. Domingo 19, 11 a 14 h.
Visitas guiadas a la exposición permanente. Sábado 18, 20 h y 21 h.
Visitas guiadas a la exposición temporal Soldados de plomo. La miniatura militar a
través de las guerras carlistas. A cargo de la Asociación Navarra de Miniaturismo.
Domingo 19, 11:30 y 12:30 h.
Concierto. Trío de jazz. Intérpretes Ramón García (piano), Eduardo Medina (contrabajo)
y Alfonso López (batería), del Conservatorio Superior de Música de Navarra. Sábado 18,
22 h.
Sesión de kamishibai. Interpretación de El soldadito de plomo y otros cuentos. Público
familiar. A cargo de la Asociación de Amigos del Kamishibai. Sábado 18, 17:30 h
(duración aproximada 45 min).
MUSEO ETNOLÓGICO DE NAVARRA “JULIO CARO BAROJA”
C/ Merkatondoa, 13-nave 4. Estella. T 948 55 35 56
Visitas guiadas al almacén del museo. Sábado 18, 16:30 h y 18:30 h. Inscripción previa
en el teléfono 948 55 35 56 y en museo.etnologico.navarra@navarra.es. Grupos
máximos de 20 personas.
FUNDACIÓN MUSEO JORGE OTEIZA
C/ Cuesta, 7. Alzuza. T 948 33 20 74
Entrada gratuita. Sábado 18, 11 a 19 h.
Concierto. Cuarteto de cuerda. Obras de F. Schubert y V. Egea. Intérpretes José Luis
Torchón (violín I), Irene García (violín II), Mario García (viola) y Paula Azcona
(violonchelo), del Conservatorio Superior de Música de Navarra. Sábado 18, 13 h.
MUSEO GUSTAVO DE MAEZTU
C/ San Nicolás, 1. Estella. T 948 54 60 37
Micro exposición temporal en torno a la obra Madre de todos los Hombres de
Juanjo Aquerreta. En colaboración con el Museo de Navarra. Abierta al público desde el
18 de mayo al 13 de octubre.
Visitas guiadas a la exposición permanente. Sábado 18 y domingo 19, 11:15 y 13 h.
Talleres infantiles ¡Nuestro lugar! Visita de la exposición de la mano de Pedro Salaberri
y Alexandra Graphian, seguida de un taller artístico. Sábado 18, 11 h. Inscripción previa.
Concierto. Música visible. Piezas contemporáneas para música de cámara compuestas
por Ignacio Fernández Galindo y Urtzi Iraizoz, inspiradas en obras de J. Oteiza y J.
Martín-Caro. Intérpretes Iñigo Miqueleiz (acordeón), Juan Cazcarra (acordeón), Ander
Percaz (guitarra), Mikel Auzmendi (guitarra) y Enric Martí (saxofón), del Conservatorio
Superior de Música de Navarra. Domingo 19, 12:30 h.
MUSEO MUÑOZ SOLA DE ARTE MODERNO
Plaza Vieja, 2. Tudela. T 948 40 26 40
Entrada gratuita. Sábado 18, 10 a 13:30 h y 17 a 23 h.
Conferencia La casa de Veraiz. A cargo de Carlos Carrasco Navarro. Jueves 16, 19:30 h.
En la Fundación María Forcada.
Cuentacuentos Del Imperio Inca a Tudela. Niños a partir de 4 años. Narrador Oliver
Rivera López. Sábado 18, 11 h.
Concierto Con un timbre diferente. Intérpretes Raquel Cuartero (violín), Diego Ramírez
(percusión) y Aitor Odriozola (piano), de la Escuela de Música de Tudela. Sábado 18,
21:30 h.
Venta especial (50% descuento) de catálogos. Del 16 al 19 de mayo.
MUSEO DE TUDELA
Roso, 2. Tudela. T 948 40 21 61
Entrada gratuita. Sábado 18, 10 a 13:30 h.
Visita guiada al Museo. Sábado 18, 12 h.
Concierto. Música popular. Intérpretes Raquel Cuartero (violín), Diego Ramírez
(percusión) y Aitor Odriozola (piano), de la Escuela de Música de Tudela. Sábado 18,
12:30 h.
CENTRO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE HUARTE
Calvario, 2. Huarte-Uharte. T 948 36 14 57
Festival Noche de musas. Conciertos de June y los Sobrenaturales y la fanfarre
Ardanbera. Apertura nocturna de las salas con la participación de los artistas María Arcos,
Sandra Arróniz, Carmen Larraz, Julio Terrazas y Ghislaine Verano. Sábado 18, 19 a 22
h.
FILMOTECA DE NAVARRA
Paseo Antonio Pérez Goyena, 3. Pamplona. T 848 42 4750
Proyección de la película El molino y la cruz. Dirigida por Lech Majeswki.
Presentación a cargo de F. Javier Zubiaur Carreño. Viernes 17, 20 h. Entrada: 3€.
El sábado 18 de mayo la entrada a los siguientes museos será gratuita: Museo-
Tesoro de la Real Colegiata de Roncesvalles, Museo del Castillo de Javier, Museo
del Monasterio de Tulebras, Casa-Museo Julián Gayarre (Roncal), Ecomuseo
Zubietako Errota-Molino de Zubieta y Museo y yacimiento arqueológico Las Eretas
(Berbinzana).
TODAS LAS ACTIVIDADES SON GRATUITAS SI NO SE INDICA LO CONTRARIO

MARIANO FORTUNY, COLOR EN LA ESPAÑA DEL XIX.

La pintura española viene pintada en ocres con destellos de luz siempre contenidos. Nuestros pintores siempre parecen haber mirado hacia Velázquez, Zurbarán, Ribera, Goya, y en ese ejercicio de recuperar la memoria iconográfica que nos defina, parece que todos han sufrido la dialéctica un tanto sobrecogedora, de elegir entre el color, la luz y la plenitud hedonista, y ese sobrio manto de grisallas que daban contención a la pintura y profundidad a los mensajes.

El Siglo XVIII discurre entre la defensa del academicismo, su implantación, la firmeza plástica de Mengs y la gran pintura de Goya. Este aragonés genial con su contundencia habitual, nos fijaré el camino de la pintura posterior, y con la gran diversidad de maneras y calidades propia de una manifestación artística como la pintura, surgirán obras de gran calado que oscilan como un péndulo acompasado y pertinaz, entre la visión oscura y triste de esa España dura, que se maltrata a si misma y a sus hijos (Zuloaga, Solana o Saura), hasta esa otra mirada más contemporizadora que no quiere dejar de exaltar la vitalidad y optimismo de un país cargado de sensualidad (Sorolla, Anglada Camarasa…).

En esa dualidad se instala la obra de Mariano Fortuny, grande y valiente en su pintura, cosmopolita y aristócrata en sus maneras, efímero en su vida. (1838-1874).

JULIAN ALDEN WEIR O LA PINTURA ARISTOCRÁTICA.

Julian Alden es uno de esos artistas cuya peculiar manera de plantear la pintura le otorgan un sello especial y diferenciado. Este americano vital y sensible trazará a lo largo de su prolongada vida un cuaderno de imágenes absolutamente imborrables.

Julian Alden Weir, hijo de Robert Weir, un instructor de dibujo en la Academia Militar de EE.UU. en West Point, y medio hermano de John Weir, primer director del programa de arte en la Universidad de Yale. Su aprendizaje tras los inicios familiares los realiza en la Academia Nacional de Diseño viajando posteriormente a París en 1873 para estudiar con el renombrado académico francés Jean-Léon Gérôme y más tarde en la École des Beaux-Arts.Esta etapa será consistente, ya que le permite conocer la pintura Europea, viajará a los Países Bajos y España, entre 1873 y 1877, recreará imágenes de Francia, para posteriormente Weir regresar a Nueva York tomando un estudio cerca de Washington Square, convirtiéndose en un pintor de éxito entre la acaudalada clientela que a partir de ese momento le respetará y encargará alguno de los retratos más admirados .

A partir de este momento Weir se convierte también en asesor de acaudalados coleccionistas, papel este nada desdeñable ya que su gusto y criterio seran definitivos a la hora de articularse alguna de las colecciones americanas más relevantes, incluyendo a Duncan Phillips.

Contrae matrimonio en 1883, adquiriendo una finca en Branchville, Connecticut, donde a partir de ese momento veraneará con regularidad. El paisaje de Connecticut penetra en el espíritu de Weir, quien utilizó lo que había absorbido desde el impresionismo francés para crear escenas poéticas, formado con sutiles tonos y la luz suave. Sus paisajes extensos y emotivos le permiten tener otros registros pictóricos que otorgan densidad y dimensión a su pintura.

A lo largo de estos años, Weir trabajará con materiales más rápidos, más inmediatos como la acuarela y pastel, buscando una mayor carga emocional, así como un mayor acercamiento a la naturaleza que ya forma parte de su universo expresivo. Pero su inquietud y el deseo de acercarse a todos, le hacen adentrarse también en la técnica del grabado, estudia con sumo interés el fascinante mundo de los grabados japoneses, lo que añade vertientes a su trabajo, sutilezas que van configurando el fascinante mundo plástico de este singular artista.

Weir muere en 1919 en Nueva York dejando un legado singular de pintura unida a la naturaleza, profundamente ligada a la visión eufórica de su gran país, siendo elemento esencial en la configuración de la imagen pictórica americana, poso sin el cual, difícilmente se explicaría la explosión creativa posterior a la Segunda Guerra Mundial.

A propósito de la exposición “Cinco claves de la pintura Navarra”: Koldo Sebastian.

EL ARTISTA EN SU HÁBITAT (II)

Koldo Sebastián, la tensión del equilibrio

- Camino Paredes, ex directora general de Cultura, ex directora del Museo de Navarra y experta en arte, continúa la serie en la que descubre, dentro de los estudios donde trabajan, las intenciones y los pensamientos de los artistas navarros más destacados.

- Koldo Sebastián ha convertido su estudio en punto de encuentro, en lugar de reflexión, de diálogo y de amistad

Lunes, 22 de diciembre de 2008 – 04:00 h.

KOLDO Sebastián lleva transitando por este mundo del arte navarro desde hace ya dos décadas, y quienes le conocemos sabemos que lo ha hecho con la disciplina férrea de un convencido y la generosidad infinita de un corazón bondadoso, siempre dispuesto a entregarse, nunca escatimando ni sensibilidad ni auténticos deseos de aprender.

A lo largo de estos años, su incansable tenacidad le ha permitido construir una obra tan sólida como impecable y, sin embargo, pese a lo iniciático de su trabajo, Koldo Sebastián en ningún momento se ha distanciado de nada, y mucho menos de las personas.

Koldo comparte estudio con otros dos interesantes artistas navarros a los que nos acercaremos en otro momento. Su estudio ha sido y es lugar de encuentro en las cercanías de la plaza de San Francisco de nuestra ciudad. Es un lugar de reflexión, de diálogo, de amistad, desde el que se lanzan llamadas de proximidad para no dejar de sentir que las tardes de contacto estrecho, perduran en la memoria. Pero además, allí Koldo se refugia, busca silencios y en la tenue luz de su rincón, habla con la materia mientras siente el placer de limpiar con detenimiento y delicadeza sus pinceles, presos del orden que Koldo impone a todo aquello que es una extensión de sí mismo.

Tensado por el equilibrio, Koldo Sebastián comparte su trabajo creativo con una vida profesional ligada a la docencia, la investigación y la didáctica, que le aportan una densa y dúctil visión de la vida. A esto añade, su programa de educación especial para discapacitados, todo un ejemplo de aproximación e integración con un colectivo especialmente sensible. Quizás este trabajo de máxima sensibilidad, quizás el aplomo que siempre le acompaña, quizás la bondad que siempre sabe trasladar, sean claves en ese estar constantemente con los demás, de ahí que Koldo sea buen ejemplo de artista vinculado, ligado y en continua relación con los demás creadores tanto de su generación como de los más jóvenes (ahí queda su huella en su efímero pero esencial paso por el Departamento de Cultura del Gobierno de Navarra).


Reflexión

Tras este nuevo viraje profesional, Koldo Sebastián se encuentra sumergido en un momento de expectación, cuando no de profunda reflexión evolutiva “Sueño con que en alguna ocasión llegaré a provocar, por ejemplo, un encuentro donde sea compatible “saber” que un punto es algo que ocupa un lugar pero no tiene dimensiones con “sentir” que desde ese mismo punto, que contiene en esencia todas las líneas posibles, pueden trazarse algunas que dibujarán el perfil inefable de lo que no se puede describir. Esa búsqueda es mi principal empeño aún sabiendo que se escapa de mis posibilidades de alcance y que habré de conformarme con estar cada vez algo más cerca”. Ciertamente Koldo ha realizado en pocos años un largo y depurado viaje, un recorrido de la aspiración a la realización. “Desde mis inicios, cuando era una persona que simplemente dibujaba o pintaba, mis trabajos y divertimentos gráficos tenían una evidente querencia por el orden y los ritmos y ya de niño disfrutaba reproduciendo e inventando grecas y cenefas que mi madre me encargaba para sus labores de punto. Poco a poco y sin que tenga muy clara la razón, fui aumentando mi curiosidad por la composición y la estructura de lo que hacía, hasta que empecé a tener claro mi interés por la geometría y sus posibilidades expresivas. Siempre me ha parecido muy sugerente el potencial creativo de las formas básicas y las relaciones que entre ellas se pueden establecer gracias a esa maravilla de la abstracción que denominamos número, y creo que eso ha sido determinante a la hora de enfocar mi desarrollo creativo dentro del lenguaje abstracto. Por eso creo poder afirmar que mi producción plástica tiene una de sus bases en la no representación y en la mensurabilidad consustanciales a la geometría”. En este proceso, se ha producido la gran transformación, que se acusa y se materializa en la firmeza de su sentir, donde queda patente la diferencia “que existe entre “la persona que pinta” que fui y el “pintor” que considero que soy”.

Ese del que hemos podido disfrutar en sus creaciones escuetas, tan orientales, tan abiertas, nebulosas donde se reducen el negro, el blanco y el gris sobre la base de papel japonés, siempre artesanal que aporta a sus trabajos el logro de la pieza articulada y profunda. Toda la obra de Koldo Sebastián es un desarrollo, fragmentado en colecciones que se entrecruzan, se alimentan y avanzan, Grecia, China, Japón, vivencias personales e intelectuales que se fusionan para darnos al pintor que ya es.

Últimas series

Porque Koldo Sebastián se encuentra a sí mismo y se reconoce en las últimas series expuestas en Pamplona. “Con Whasi intenté desarrollar conceptos de pureza e iluminación a través de la intervención en papeles genuinamente japoneses y cuyo valor simbólico se centra precisamente en esos conceptos. Mediante Sangaku trabajé sobre un código de agradecimiento propio al país nipón y que guarda relación con los problemas matemáticos. En ambos casos incorporé por primera vez la línea curva, el círculo y la esfera, elementos que simbolizan lo espiritual, lo infinito, lo sagrado.y que pretenden remitir, en definitiva, a la idea de trascendencia. Con Caligometrías (posiblemente el trabajo con más líneas de desarrollo, entre ellas la construcción de volúmenes) estoy trabajando sobre la génesis del ángulo perfecto”.


Este último reto, con sus grandes dificultades, incluso con problemas de ejecución añadidos, afirman la solidez del trabajo de Koldo Sebastián, siempre oscilante entre el análisis y la incógnita, el rigor y la sorpresa. Pero también, a través de esta versátil obra, estamos siendo testigos de la afirmación de su construcción personal, evidente en los resultados que nos proporciona, en sus silencios y en su elocuencia, la misma que nos lleva a escucharle siempre seguros del impacto emocional de sus palabras. “Parto de la base de que el arte adquiere su sentido fundamental cuando es capaz de generar una experiencia, experiencia estética, que supone una conmoción que hace que quien la vive “siente” la vinculación a un mundo del que es parte gracias al impacto de un complejo estimular con el que amplia la conciencia de sí mismo. Podría decirse que una experiencia nos revela rasgos fundamentales de la identidad que nos sostiene, y a la vez, nos descubre posibilidades desconocidas que también anidan en nosotros”.